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El rodaje
Tras la cámara, Nolan reunió a un grupo de artistas y artesanos que le ayudó a conseguir su visión de Origen, un proceso que, según sugiere él mismo, no se aleja demasiado del trabajo que llevan a cabo Cobb y su equipo. “Existen similitudes definidas entre la forma en que estos personajes crean todo un mundo para que alguien exista en él y la forma en que los cineastas construyen una realidad para el público," relata el director. “Así que, al igual que el personaje de Cobb reúne a este extraordinario equipo de personas, quise hacer lo mismo entre bastidores.”
La producción de Origen reunió a Nolan con varios de sus colaboradores anteriores, incluyendo al director de fotografía, Wally Pfister, el editor Lee Smith, el supervisor de efectos especiales Chris Corbould, el supervisor de efectos visuales Paul Franklin, y el coordinador de acrobacias Tom Struthers. Además, Nolan trabajó por primera vez con el diseñador de producción Guy Hendrix Dyas y el diseñador de vestuario Jeffrey Kurland.
Independientemente de algunas secuencias más ilusorias de la película, Nolan, poniendo en práctica una de sus señas de identidad, animó a todo su equipo a conseguir todo lo que fuera posible en términos prácticos, reduciendo al mínimo las imágenes generadas por ordenador. “Para mí siempre es importante realizar el mayor número de escenas posibles con la cámara y, posteriormente, si es necesario, los gráficos por ordenador resultan muy útiles para crear o mejorar lo que has conseguido físicamente. Independientemente del hecho de que la historia se desarrolle en diferentes estados del sueño, resulta crucial que, en cada nivel, el mundo sea concreto, ya que cuando estamos en un sueño, lo aceptamos como si fuese la realidad. Así que, tanto si rodábamos una persecución sobre esquís bajando una montaña, como si nos sumergíamos bajo el agua o simulábamos la gravedad cero, siempre quise llegar al límite absoluto de lo que era factible rodar,” afirma el director.
No es necesario mencionar que el departamento de efectos visuales no fue crítico en la producción de la película. Nolan afirma: “Confiaba en que Chris Corbould y su unidad de efectos especiales pudieran averiguar la forma de poner en marcha un tren en mitad de una calle de Los Ángeles, pero sabía que no era factible doblar una calle de París sobre sí misma sin la ayuda del grupo de Paul Franklin.
“Me encanta ver a mi equipo reaccionar con cierto pánico cuando les explico por primera vez lo que tengo en mente,” admite Nolan entre risas. “Pero resulta asombroso ver cómo los diversos departamentos lo descomponen y proponen inventivos enfoques para lograrlo. Y, en cada etapa de Origen, todos rindieron de forma extraordinaria.”
“Incluso cuando aparentan estar aterrados,” bromea Thomas, “creo que verdaderamente disfrutan resolviendo cualquier problema que Chris les plantea, pero también aprecian el hecho de que él se involucre en el desafío y esté a su lado cuando surge algún problema.”
Para aumentar aún más la sensación de realismo, gran parte de la fotografía principal de la película se completó in situ. “Resulta de vital importancia que, incluso cuando los personajes están en el entorno de un sueño, no parezca que es un mundo generado por ordenador,” afirma el productor ejecutivo Chris Brigham, que trabajó como productor de línea del rodaje. “En mi opinión, el hecho de que la acción se desarrolle en entornos reales añade mucha textura y credibilidad al argumento.”
El rodaje de Origen llevó al reparto y el equipo de filmación desde un rascacielos en Tokio hasta una montaña en Calgary, desde las exóticas calles de Tánger hasta las pintorescas calles de París, y desde el histórico Londres hasta el moderno Los Ángeles.
Thomas afirma que, a pesar lo beneficioso de esta planificación: “Trabajar a escala tan global fue uno de nuestros mayores desafíos ya que, viajar a seis países diferentes, implicaba trabajar con diferentes equipos de producción en cada emplazamiento. Funcionó genial, pero resultó agotador.”
Los primeros rodajes se realizaron en Tokio, donde Saito realiza su inusual proposición comercial a Cobb y Arthur, poniendo en marcha la historia de este modo. Comenzando en el helipuerto de un rascacielos, la escena transita hasta diversas tomas aéreas desde el helicóptero de Saito. Aunque parecía bastante sencillo, Brigham afirma: “Realmente, fue algo complicado porque Tokio tiene normas muy estrictas acerca de dónde y a qué altura pueden volar los helicópteros. Pero nos ayudó mucho contar con la colaboración de los funcionarios locales, que se portaron maravillosamente.”
“Chris quería rodar en Tokio desde hace mucho tiempo, así que nos encantó la oportunidad de hacerlo realidad,” afirma Thomas. “Nos encanta la ciudad; es un lugar extenso y vibrante y Chris deseaba con toda su alma plasmar eso en una película.”
Posteriormente, la producción se trasladó a uno de los centros operativos favoritos de Nolan: Cardington, un hangar de aeronaves convertido al norte de Londres. Allí, el gigantesco escenario pudo albergar los enormes, a la par que complejos, sets de rodaje que pondrían a prueba la percepción de arriba, abajo y a los lados de cada uno de los actores.
Uno de los sets de rodaje más complicados fue el largo pasillo del hotel que rotaba 360 grados para crear el efecto de gravedad cero. Para el diseño y la construcción fue vital la asociación entre el diseñador de producción Guy Hendrix Dyas, el supervisor de efectos especiales Chris Corbould, y el cineasta Wally Pfister.
Los cineastas idearon originalmente un pasillo de aproximadamente 12 metros, pero a medida que el plan aumentaba, también lo hacía la longitud del set, que finalmente alcanzó los 30 metros. El pasillo se suspendió sobre ocho enormes anillos concéntricos que se colocaron a la misma distancia fuera de sus muros y que se accionaban a través de dos gigantescos motores eléctricos. “He construido sets giratorios con anterioridad,” afirma Corbould, “pero ninguno tan grande ni tan rápido como éste.” Una vez que el set estuvo en marcha o, mejor dicho, en rotación, podía girar hasta a ocho revoluciones por minuto.
Corbould también trabajó en estrecha colaboración con Pfister para determinar cómo colocar las cámaras en el set giratorio. “Prefiero las cámaras de mano, pero resulta que no podía sostener la cámara girando trescientos sesenta grados,” afirma Pfister inexpresivo. “Así que Chris Corbould y Bob Hall, de mi departamento, idearon una forma de montar una cámara por control remoto en una placa que recorría una pista bajo el suelo.
Ya que toda la longitud y el ancho del pasillo se encontraban con frecuencia al alcance de la cámara, Pfister no podía usar los focos tradicionales que cuelgan del techo. En su lugar, afirma: “Ideamos un práctico plan de iluminación usando candelabros de pared y luces colgantes con regulación de voltaje, lo que me proporcionó una gran flexibilidad.”
Aparte del pasillo, también había una habitación de hotel giratoria, que nos presentó sus propios desafíos. Corbould explica: “El set de rodaje de la habitación era más corto, pero sólo había dos anillos, por lo que cada uno de ellos soportaba más peso.”
Al diseñar el interior del hotel, Dyas y su departamento tenían que tener en cuenta que habría actores y acróbatas trabajando en cada superficie. “Me pareció evidente que si íbamos a hacer rebotar a las personas dentro del set de rodaje, sería necesario fabricarlo con materiales blandos," afirma Dyas. “Afortunadamente, existen hoteles contemporáneos que usan cuero y telas para revestir las paredes, así que incorporamos esos acabados blandos con relleno. También nos teníamos que asegurarnos de que los objetos como pomos de puertas y elementos fijos ligeros se rompieran al mínimo impacto para que nadie resultase herido.”
Esto alegró a Joseph Gordon-Levitt y los miembros del equipo de acrobacias, que pasaron bastante tiempo negociando el vertiginoso set de rodaje para una de las principales secuencias de acción. Antes de filmar estas escenas, Gordon-Levitt pasó semanas entrenándose y ensayando las escenas de acción con el coordinador de acrobacias Tom Struthers y su equipo. Struthers afirma: “Normalmente tendríamos que usar a un doble para esta clase de trabajo, porque cuando el set de rodaje gira de esa forma puede hacerte girar como si estuvieses dentro de una lavadora, y puede resultar muy desorientador. Pero Joe era fuerte y flexible y le entrenamos para desarrollar su tren superior y sus principales músculos. Trabajó muy duro y realizó una labor excepcional.”
“Definitivamente me puse más en forma que nunca antes en mi vida,” afirma Gordon-Levitt. “Tenía que estar lo suficientemente en forma para rodar las escenas, y tuve que aprender a mantener el equilibrio y realizar una escena de lucha saltando de una superficie a otra." Para lograrlo, no podía tomar como referencia el suelo ni el techo. Tenía que pensar en ambos como una superficie y decirme a mí mismo: “De acuerdo, ahora ésta es mi superficie.” “Y ahora, ésta es mi superficie.” El problema es que la “superficie” se movía continuamente bajo mis pies, por eso tuve que engañar a mi mente para hacer que funcionase. También fue la parte más divertida, ya que nadie más me controlaba y mi equilibrio dependía únicamente de mí. Pero los cables fueron una historia diferente,” añade, refiriéndose a otras tomas que implicaban desafiar a la gravedad.
En realidad, había dos versiones del pasillo construido en Cardington: uno de ellos rotaba y el otro era una réplica construida en vertical, de forma que su longitud se convirtió en su altitud, por así decirlo. Gordon-Levitt tuvo que llevar un arnés y cables para las escenas rodadas en el pasillo vertical, al igual que en el set de rodaje de la habitación del hotel donde tuvo que rodar a media altura. “Me enfrenté cara a cara con la gravedad en diversas ocasiones en esta película,” bromea el actor. “Pero me encantó ya que, tuve la oportunidad de volar, que ha sido siempre uno de mis sueños, y creo que no soy el único.”
Nolan afirma: “Me encantó que Joe quisiera hacerlo todo él mismo, una vez que comprobamos que poseía la capacidad suficiente para hacerlo de forma segura. Supuso una gran ventaja fusionar la acción con el personaje ya que, con cada puñetazo, cada patada y cada escena de acción, estamos viendo a Joseph Gordon-Levitt en el papel de Arthur.”
“En mi opinión, gran parte del éxito de Christopher Nolan reside en el hecho de que consigue un equilibrio realmente estimulante entre tenerlo todo planificado y estar abierto a la espontaneidad,” señala Gordon-Levitt. “Tuve la oportunidad de comprobarlo a diario cuando, en mitad de estas épicas hazañas técnicas, se aseguraba de dejar espacio a los actores para explorar su creatividad y darle prioridad a sus interpretaciones.”
Simular la gravedad cero también influyó en el trabajo del diseñador de vestuario Jeffrey Kurland y su departamento. Kurland señala: “Para esas escenas no podíamos diseñar prendas con caída natural ya que, sin gravedad, estarían flotando. Tuvimos que hacer cosas como introducir cable en los cordones de los zapatos para que se mantuvieran rectos, o grapar con tachuelas las corbatas de los hombres para que no cayeran de forma aleatoria.
Al igual que en el pasillo vertical, el set de rodaje para el hueco del ascensor, también supuso un desafío. Utilizando la infraestructura existente de Cardington, el equipo construyó el conducto del ascensor de forma horizontal a lo largo de una pared continua del hangar. Posteriormente Pfister orientó la cámara de forma que pareciera que ele ascensor se movía de arriba a abajo. Para completar la ilusión, los cables del ascensor era necesario mantener los cables absolutamente tensos.
Para mayor incomodidad de todos, Corbould y Dyas idearon construir un bar de hotel sobre un gigantesco balancín de brújula que permitía que todo el habitáculo se inclinase, para posteriormente recuperar la horizontalidad de nuevo lentamente. Corbould afirma: “He construido muchos sets de rodaje sobre balancines de brújula en los que ves como todo se balancea y es un caos. Éste era bastante diferente, ya que todo el artilugio se inclinaba y todo lo que veías era el ángulo de las bebidas y las lámparas colgantes moviéndose al unísono. Realmente conseguimos el efecto surrealista que Chris (Nolan) buscaba.”
Dyas añade: “La superficie a inclinar por completo tenía un tamaño considerable. Dicho de forma sencilla, era básicamente un balancín controlado mediante dos pistones que podían elevarse y descender para controlar la inclinación de la plataforma. Creo que, en total, el set de rodaje se inclinó aproximadamente a 20 grados, lo cual no parece mucho... hasta que intentas mantenerte de pie sobre él.”
DiCaprio afirma: "En la escena, Cillian y yo teníamos que mantener una intensa conversación mientras todo el set de rodaje se inclinaba. Teníamos que mantenernos de pie para no resbalar, pero no podíamos reaccionar ante la inclinación de forma instintiva, sino que teníamos que concentrarnos. Realmente afecta a tu perspectiva.”
Además de rodar el Cardington, también se filmaron escenas en diversos emplazamientos en torno a Londres, incluyendo: la Galería Flaxman de la University College London, donde Miles presenta a Cobb a Ariadne; El Edificio Farmiloe de la época Victoriana, donde recrearon la farmacia de Yusuf; y el moderno vestíbulo de acero y cristal de una desaparecida empresa de juegos, donde Arthur demuestra la paradoja de los escalones Penrose a Ariadne. Dyas afirma: “Diseñamos una escalera del mismo estilo que las escaleras existentes en la instalación, con el fin de que se camuflasen con el fondo.”
Tras abandonar Inglaterra, el equipo de producción se trasladó a Francia, donde las escenas incluían una conversación clave entre Cobb y Ariadne en un bistró de París. El enclave era realmente una pequeña panadería, que Dyas y su departamento convirtieron en un pintoresco café en una acera. En un momento concreto, toda la zona vuela por los aires. Rodar la explosión implicaba una estrecha colaboración entre Corbould, Pfister y Paul Franklin.
Uno de los obstáculos provino de la prohibición de usar explosivos reales en París, sin importar lo controlados que estuvieran, impuesta por las autoridades locales. En su lugar, el departamento de Corbould usó nitrógeno a alta presión para recrear el efecto de una serie de explosiones que vuelan por los aires las tiendas circundantes y quioscos y, finalmente, el café.
Courbould afirma: “Sabíamos que Leo y Ellen estarían en medio de las explosiones, así que lo construimos todo con materiales muy ligeros. Aún así, realizamos pruebas durante semanas antes de que me sintiera completamente cómodo con la idea. Y finalmente, el día que rodamos la escena, parecía que ambos estuviesen en su propia zona de seguridad; ni siquiera el vaso de cartón de su mesa se movió. Fue una gran toma.”
Para asegurarse de conseguir la toma, el equipo de Pfister empleó seis cámaras para captar la secuencia desde diferentes ángulos. También rodaron a la mayor velocidad secuencial posible ya que, tal y como explica el cineasta: “Chris Nolan quería filmar las explosiones a cámara lenta, dada la luz exterior (alrededor de 1.000 secuencias por segundo, 40 veces la velocidad habitual de 24 secuencias por segundo. En general, Chris no suele decantarse por rodar a cámara lenta, pero hay escenas en esta película que así lo exigían.”
La filmación a cámara súper-lenta hacía que los escombros parecieran momentáneamente suspendidos en el aire. Posteriormente, el departamento de efectos visuales de Franklin aumentó la secuencia. “Añadimos más destrucción y escombros voladores con gran minuciosidad, en concreto los pedazos de mampostería, cristal y otros objetos que habrían supuesto un peligro para las personas que rodaban la escena en el emplazamiento de París,” detalla Franklin.
Los efectos visuales también se usaron para finalizar otras secuencias críticas en las que Ariadne comienza a descubrir las infinitas posibilidades de construir el mundo del sueño, incluyendo una escena en la orina del Río Sena en la que Ariadne recrea el famoso puente denominado Pont du Bir-Hakeim.
Tánger, Marruecos, fue con diferencia el entorno más exótico para el reparto y el equipo de filmación de Origen. La ciudad costera sirvió para recrear Mombasa, donde Cobb rastrea al mejor falsificador del negocio, Eames, que, a su vez, presenta a Cobb al pionero químico Yusuf.
El reparto y el equipo de filmación de Origen llegó a Tánger a principios de agosto, y lo primero a lo que debieron hacer frente fue el implacable calor veraniego. No obstante, Chris Brigham comenta: “Lo magnífico de Marruecos es que se han rodado diversas películas allí, y por eso disponen de un equipo local con gran talento. En todas partes tienen experiencia con las grandes producciones y todos se sienten cómodos mientras ruedan a su alrededor, lo que supone una gran ventaja.”
“Marruecos es muy inspirador desde un punto de vista visual,” añade Pfister. “La arquitectura es completamente diferente, con magníficas calles y pasadizos que nos proporcionan un magnífico lienzo con el que jugar. Es una auténtica delicia para la vista.”
Nolan afirma que tenía un motivo para confiar en los instintos del cineasta. “He trabajado con Wally en diversas películas hasta la fecha y siempre me ha demostrado que tiene un gran ojo. Además, siempre se muestra motivado por los pormenores de la historia y no sólo el aspecto de la película. Gracias a todo ello, es un aliado inmensamente creativo a la hora de determinar cómo evolucionamos de una toma a la siguiente para anticipar la inmersión de la audiencia en el mundo de la película.
Una de las progresiones (una frenética persecución a pie) se rodó en las estrechas calles y callejones del histórico Grand Souk de Tánger. Jordan Goldberg relata: “Cobb trata de escapar de las personas que tratan de capturarle o quizás asesinarle. Aquel día estábamos a unos cuarenta grados y, toma tras toma, Leo corrió a toda velocidad. Se implicó por completo en el rodaje e hizo que pareciese totalmente real.”
Para captar la persecución, Pfister comenta que Nolan se embarcó en lo que él suele llamar filmación de guerrilla. A Chris le encanta ese estilo de rodaje, al igual que a mí. Hay algunas escenas en las que resulta más aplicable que en otras, y la persecución definitivamente era una de ellas, así que usamos una combinación de dos métodos: nos montamos en un VTA con una cámara de mano y sobrevolamos las calles con Leo corriendo tras un vehículo; en ocasiones, usamos el estabilizador de cámara; tomamos varias tomas desde arriba y yo realicé algunas tomas a pie, corriendo detrás con una cámara sobre el hombro tratando de mantener todo dentro del encuadre.”
Cruzando el Atlántico, el rodaje de Origen se trasladó hasta el área de Los Ángeles, donde se construyeron diversos sets de rodaje en un estudio de Warner Bros., incluyendo las habitaciones interiores del castillo de estilo japonés de Saito. Quizás, el set de rodaje más sorprendente fue el espléndido comedor con sus paredes pintadas con estampados dorados y su techo cubierto por docenas de lámparas. Guy Hendrix Dyas señala: “Las paredes del comedor se basaron en un tema de pinos y halcones que se inspiró en el Nijō Castle, construido en torno a 1603. Pero estos decorados no pretendían ser una reproducción histórica; también se incluyen otros tipos de arquitectura japonesa, así como influencias occidentales. Se trata, más bien, de una combinación de diferentes estilos para dar una sensación general de cultura japonesa en lugar de algo específico.”
El principal problema al rodar una tormenta en Los Ángeles era que normalmente suele hacer sol y no hay una sola nube en el cielo, lo que nos planteó ciertos problemas de iluminación. “Tras semanas rezando por que se nublase,” bromea Pfister, “finalmente abandonamos esa idea y comencé a pensar en cómo rodar en un día soleado. Conté con la ayuda de mi fantástico técnico en iluminación, Ray García, que representó el recorrido del sol para ese día y posteriormente (mediante plataformas elevadoras y colocando gente en los tejados) instaló una serie de banderas negras que actuaron como celosías que bloqueaban el sol a medida que nos movíamos. Resultó increíblemente eficaz.”
La lluvia no fue el único elemento incongruente en el centro de Los Ángeles ese día. Nolan y su equipo trajeron un tren de mercancías hasta una calle en mitad de la ciudad. El director explica: “La secuencia con el tren era un elemento particular que resultaba importante porque se trata de una imagen surrealista, pero necesitas que parezca real. Así que fue cuestión de equilibrar la peculiar naturaleza de un tren recorriendo una calle urbana con la realidad de hacerlo chocar con coches y otros elementos similares. Es la clase de efecto físico a gran escala que, en mi opinión, puede impulsar una película de acción hasta el siguiente nivel y hacer que el público quede sorprendido al ver las imágenes. No importa la magnitud de la acción que se desarrolla, tiene que basarse en cosas con las que la gente pueda relacionarlas. Posteriormente, sólo tienes que exagerarlas unas mil veces, “ comenta entre risas.
Al estar a miles de kilómetros de la vía ferroviaria más cercana, obviamente no era factible conducir un tren real por una calle, así que a Tom Struthers se le ocurrió la idea de construir una locomotora en el armazón de un remolque. No obstante, la mayor distancia entre ejes que encontraron seguía siendo demasiado corta. El coordinador de transportes Tyler Gaisford afirma: “Acortamos el chasis y la transmisión y añadimos una cubierta de acero y reforzamos la suspensión para sostener el peso adicional, que ascendía en total a 11,334 toneladas aproximadamente.”
El tren se construyó como réplica de un tren de mercancías real. Dyas afirma: "Algunas partes de nuestro tren se fabricaron con moldes de fibra de vidrio extraídas de piezas de trenes, para que todo tuviera el aspecto y la textura correctos. Posteriormente tuvimos que ajustar el color y el diseño.”
Tras su traslado a Calgary, Canadá, la última etapa de la fotografía principal se rodó en una montaña cerca de Banff. El responsable del emplazamiento había descubierto un resort de esquí llamado Fortress Mountain, que se había clausurado. El hecho de que fuera un lugar accesible, sin estar abierto al público, lo convertía en un emplazamiento ideal para rodar.
Las majestuosas montañas nos proporcionaban un paisaje sobrecogedor... en más de un sentido. Dyas recuerda: “Durante la exploración, nos desplazamos sobre motos de nieve y el aire no dejaba empobrecerse a medida que avanzábamos.” En un determinado momento, el guía nos dijo: “Para acceder a los picos más altos, es necesario haber recibido la formación de un esquiador asiduo o montañero.” Ellos no lo sabían, pero esa afirmación era como arrojar gasolina a una hoguera,” bromea. “En el momento en que pronunció esas palabras, pensé - ¡Dios mío! ¿Por qué tenía que decirlo? - ” Inmediatamente, Chris exclamó al más puro estilo del explorador Shackleton: - ¡De acuerdo! ¡Vamos hasta la siguiente cima!- Resultó muy divertido. Subimos tanto como nos lo permitieron los límites de seguridad de Fortress Mountain, pero para Chris era algo importante porque quería un espectacular telón de fondo en medio de la naturaleza.”
Varios meses antes de rodar en Fortress Mountain, el equipo de filmación comenzó a construir una austera estructura de varios niveles que tenía el imponente aspecto de una fortaleza real. Las extremas temperaturas obstaculizaron el trabajo del equipo porque: “En cuanto la pintura salía del bote se congelaba por completo,” afirma Dyas. “Tuvieron que diseñar una especie de refugio temporal que les permitía calentar una área con un tamaño lo suficientemente grande como para pintarla. Posteriormente continuaron moviéndola a medida que avanzaban.”
Copyright de imágenes y nota de prensa © Warner Bros. Pictures, Legendary Pictures. Cortesía de Warner Bros. Pictures Publicity Dept. Reservados todos los derechos.
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