Tran Anh Hung nació en Seno, ex Reino de Laos, el 23 de diciembre de 1962. En 1975 se exilió a Francia con su familia donde estudió en una escuela de cine. Su debut como director en 1992, El olor de la papaya verde, ganó el premio Camera D’Or en el Festival de Cannes y el Cesar a Mejor Director Novel, lo que valió reputación a nivel internacional.
Su segunda película, Cyclo de 1995 ganó el León De Oro en Venecia. Sus otros créditos incluyen The vertical ray of the sun, I come with the rain y Tokio Blues (Norwegian Wood). Sobre esta última nos ofrece las siguientes declaraciones.
¿Cómo conociste el libro y cómo fue el proceso de adaptarlo para una película?
Leí la edición francesa muchos años después de que se publicara en Japón. Me cautivó inmediatamente y quise hacer la película. Pero al no conseguir una respuesta positiva a mi proyecto, estaba a punto de rendirme cuando me llamó el productor Shinji Ogawa. Empezamos a discutir sobre la dirección de la adaptación.
Cuando conocí a Haruki Murakami nos pidió que le enseñáramos el primer borrador del guión. Terminé la primera versión y se la enseñé a Haruki quien me dio muchas notas, incluyendo diálogos que no aparecían en el libro. Escribí la segunda versión basándome en sus notas y después de eso pude revisarlo con libertad. Creo que Haruki sintió que había captado la esencia de su libro y pudimos completar la película.
¿Qué te cautivó del libro?
Es una novela fantástica que retrata brillantemente las radicales vidas interiores de la juventud a través de las experiencias personales del protagonista. El libro muestra a jóvenes buscando definir sus vidas y aceptando las consecuencias mientras se enamoran y confrontan sus emociones honestamente.
Como Haruki ha dicho, esto lleva a los personajes a territorios peligrosos y eso es lo que me intrigó del libro. Otro factor es la sensualidad. Al estar todo estructurado alrededor de la vida sexual de los personajes, sabía que, visualmente, tenía que alcanzar el equilibrio para que el público experimentara el sexo como algo más que simple placer sin caer en la vulgaridad.
¿Cuál fue el mayor desafío al escribir el guión?
La novela empieza con un avión aterrizando en el aeropuerto de Hamburgo. La historia está contada en un tono nostálgico, mirando al pasado, pero quise recrear la crudeza del dolor reciente. Por eso escribí el guión en presente. Fue la decisión más difícil de tomar.
¿Planeaste desde el principio rodar en Japón con actores japoneses?
Nunca fue una opción hacer otra cosa que eso, porque amo la cultura japonesa y esa sensibilidad palpable en la novela. Por supuesto fue un desafío dirigir actores hablando en japonés, pero mi productor, Ogawa, fue una ayuda inestimable.
¿Cuáles fueron los criterios para el casting?
Para mí, los casting siempre tienen que ver con la personalidad del actor. Especialmente para quienes nunca han actuado antes. Lo que es fundamental es cómo el actor encaja en la perspectiva general de la película y si es adecuado para el papel. El siguiente paso es discernir su potencial para actuar.
¿Por qué elegiste a Kenichi Matsuyama para el papel de Watanabe?
Cuando vi su foto por primera vez, francamente no estuve seguro. Pero sentí algo único en él y decidí conocerle. En el instante en que le conocí, supe que ningún otro actor podría hacer el papel. Esto fue por su personalidad, como mencioné antes. Es capaz de expresar toda su personalidad a través de su presencia. Un actor verdaderamente maravilloso.
¿Qué hay de Rinko Kikuchi quien interpreta a Naoko?
La había visto en Babel, y no me pareció apropiada para el papel, pero al ver su audición en video supe que era la adecuada, me cautivó. Lo que la gente siente cuando la ve es una absoluta sensación de calidez. Porque la calidez es una cualidad esencial de Midori.
¿Cómo salvaste las barreras culturales y de idioma al rodar en Japón?
Aunque no hablo el idioma, es obvio cuando un actor se hace con un personaje. Les pedía a los actores que hicieran diferentes tomas hasta que estaba satisfecho. En las escenas más difíciles, le pedía a mi productor su opinión sobre las entonaciones antes de escoger una toma u otra. Es divertido rodar una película en un idioma que no entiendes. El diálogo suena como música que va creciendo en misterio.
¿Cuál fue el mayor desafío buscando localizaciones?
Cuando buscaba localizaciones, no buscaba sitios en los que recrear las escenas de la novela. En lugar de eso, quería encontrar sitios donde pudiera rodar imágenes hermosas. Por eso todo el verde que aparece tenía que ser hermoso e impactante, y fue difícil de encontrar. En la novela, Watanabe visita ese lugar en otoño por primera vez, pero debido a la localización que elegimos, la vegetación era demasiado alta para que caminaran los actores, tuvimos que adaptar la estación al momento en que el paisaje era más hermoso.
¿Por qué le pediste a Lee Ping-Bing que fuera tu director de fotografía?
Porque sus imágenes son tan sensuales... En una película donde la sensualidad es uno de los temas principales, esto era esencial. Su nivel artístico es muy alto, lo que me permite crear imágenes maravillosas. Sin embargo no quería que fueran demasiado hermosas, por eso rodé en HD, quería la clase de belleza apropiada para la película. Al rodar en digital puede capturar la textura de la piel humana. El HD fue también esencial para capturar su belleza y suavidad.
¿Cómo decidiste elegir a Jonny Greenwood para la banda sonora?
La razón fue simple. Cuando vi Pozos de ambición, para la que realizó la banda sonora, pensé que era fantástica. Su música es moderna y clásica a la vez y me cautivó esa melodía tan singular. También percibo una musicalidad muy rica en sus trabajos, sus frases no son sencillas ni fáciles de memorizar. En su lugar, evocan el mundo espiritual con un sonido que parece crecer y expandirse.
Los personajes en esta película se ven a menudo en estados psicológicos complejos, con dolores profundos y graves dilemas de por medio. Él es un músico capaz de fundirse con el mundo el que ocurre la historia. Fui un privilegiado por trabajar con él.
Todas tus películas hasta la fecha comparten el tema de la belleza entre el sufrimiento. ¿Intentabas en esta descubrir la belleza en el luto?
Es cierto que creo que es posible encontrar un elemento de belleza en medio del dolor. Uno de los temas mas importantes del arte es el retrato de la belleza y el dolor coexistiendo, y eso es cierto de esta película. El luto de un personaje desencadena mucho sufrimiento. Mi objetivo era reflejar eso lo más intensamente posible. Esto es así porque la belleza se asienta profundamente en la mente humana y resiste. Quiero que mi público encuentre esa belleza.
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