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| Thomas Schütte. Retrospección |
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"Desde luego, el arte no sale de las academias, no sale de la enseñanza y no sale de los medios de comunicación: sale de la vida, de las relaciones y de la experiencia", dice Thomas Schütte.
El Museo Reina Sofía acoge una exposición dedicada al artista Thomas Schütte (Oldenburg, Alemania, 1954).
La muestra, que ha sido comisariada por, Lynne Cooke, es la retrospectiva más completa organizada sobre el artista en España y recoge una singular y extensa visión de su obra que permitirá al visitante observar las constantes innovaciones del autor y su evolución a lo largo de treinta años de trabajo.
Se trata de hacer un recorrido por los diferentes momentos artísticos de Schütte, desde sus primeras obras realizadas a finales de la década de los setenta, cuando todavía era estudiante, hasta sus trabajos más recientes.
Lynne Cooke comenta al respecto que, por lo tanto, va a haber piezas muy poco conocidas del artista, por un lado, aquellas que elaboró a finales de los setenta cuando trabajaba en el estudio de Gerhard Richter y por otro, piezas actuales, como una que ha sido creada expresamente para esta ocasión.
La exposición se compone de instalaciones, acuarelas y aguafuertes, fotografías, maquetas arquitectónicas, y ejemplares de sus principales grupos escultóricos, como las series de «Mujeres» y «Perros».
Se han reunido alrededor de setenta y cinco obras cuyo grueso se exhibirán en la primera planta del edificio Sabatini.
Pero además, las piezas de Thomas Schütte sobrepasarán las puertas de las salas de exposiciones y se mostrarán en diferentes lugares del Museo sorprendiendo al visitante: el jardín, el claustro, la guardarropía del antiguo Hospital o el Espacio Uno.
El título de la exposición Retrospección, según la comisaria de la muestra, no es gratuito y alude por un lado al conjunto de la carrera de Schütte que abarca ya más de treinta años, y por otro a que el artista, sobre todo en la última década, ha vuelto la mirada al pasado buscando inspiración tanto en sus primeras obras como en la escultura de épocas anteriores.
Thomas Schütte está considerado uno de los artistas alemanes más importantes de su generación.
Desde finales de la década de los setenta, trabaja en series homónimas que examinan momentos de aislamiento, vulnerabilidad y desesperanza humanos, no carentes de ironía.
Se hizo muy conocido en los ochenta con sus maquetas arquitectónicas: diseños que llevan al extremo la capacidad de simplificación y exageración y que, sin pretenderlo, ofrecen al espectador protección y cobijo mental.
Las obras tienen una apariencia artesanal a la vez que utópica.
Toda la obra de Schütte está impregnada de cuestiones sociales y políticas así como de la preocupación por la relevancia y la posición del artista en la sociedad.
Schütte utiliza géneros escultóricos tradicionales, como la figura reclinada femenina, el busto de retrato conmemorativo, así como el monumento y el memorial, pero con resultados nada convencionales.
Sus grupos escultóricos plasman su deleite en el material y su inquietud infatigable por las técnicas más diversas.
En sus obras usa títulos llamativos, traviesos y, a menudo, irónicos.
Recorrido de la exposición El discurso de la muestra no es cronológico.
La obra está ubicada en la primera planta del edificio Sabatini, donde se han utilizado diferentes espacios que según Lynne Cooke funcionan muy bien con las piezas de Thomas Schütte.
Se han aprovechado, por lo tanto, las posibilidades que ofrece el edificio del emblemático arquitecto, sacándole el máximo provecho y jugando con el espacio y la luz: por primera vez, por ejemplo, se ha abierto una puerta que comunica directamente el jardín con la sala de exposiciones A1.
Por otro lado, se ha jugado con la apertura de las ventanas que dotan a las salas de luz natural y se han utilizado los amplios pasillos y el claustro.
Además, el Espacio Uno, acoge la obra más temprana del autor, con piezas como Tapetenmuster (Diseños de papel pintado), 1975; Paare (Pares) 1977–80; Dreieck (Triángulo) 1978.
En los dos grandes pasillos del claustro también se ha instalado obra, se trata de criaturas o figuras fantásticas que se pueden ver desde la distancia y que llevan al visitante a acercarse paulatinamente hacia ellas, son figuras de aluminio pulido Grober Geist (Gran espíritu) 1997 que irán sorprendiendo al visitante en distintos momentos.
En uno de los pasillos del claustro, encontramos la pieza Konferenz (Conferencia) 2002; que tal y como comenta Lynne Cooke consiste en cuatro grandes caras de cerámica que quizás guarden relación con los bustos de las esculturas romanas.
En el otro pasillo aparece la pieza Wichte (Duendes) 2006, compuesta por doce esculturas en bronce.
La Sala de Protocolo acoge la serie de obras United Enemies – A Play in Ten Scenes (Enemigos unidos. Obra en diez escenas) 1993–1994; se trata de figuras mutiladas, algunas de ellas metidas en fanales de cristal.
En esta sala también se encuentran fotografías de la misma serie, los dibujos Auf Wiedersehen (Adiós) 1981 y la pieza Self –Portrait as Candle Holder (Autorretrato llevando una vela) 1998.
En su recorrido el visitante continuará descubriendo piezas de Schütte por distintos rincones y esquinas del museo hasta llegar a la Sala A1 donde se encuentra el grueso de la exposición.
Lo que más llama la atención nada más entrar al espacio, es cómo se ha jugado en esta ocasión con la luz natural.
Las ventanas abiertas permiten una conexión entre la naturaleza del jardín de Sabatini con el hierro y el acero del edificio Nouvel.
Las piezas de Schütte, que cobran vida con la luz natural, inundan el espacio y lo transforman.
En esta inmensa sala encontramos acuarelas, maquetas, instalaciones, dibujos, esculturas, entre otras: Die Fremden (Los extraños) 1992, Groβe Mauer (Gran pared), 1977; Groβer Respekt (Gran Respeto) 1993–1994; la serie Hund (Perro) 2004 o Weinende Frau (Mujer Llorando) 2010, que ha sido realizada expresamente para esta ocasión.
Por último, y en un marco incomparable como es el jardín de Sabatini, se ha instalado la conocida serie de esculturas tituladas Frauen, Mujeres (2000–2006).
Penélope Curtis, en uno de los textos del catálogo, afirma lo siguiente refiriéndose a esta serie de esculturas: “impresionan por el salvajismo —percibido o conferido— de su representación de la forma femenina…”Hay algo en las monumentales mujeres que combina poder y vulnerabilidad; son a la vez víctimas e ídolos”.
