Una exposición que explora la relación de 14 de los principales artistas de finales del siglo XIX y principios del XX con la fotografía.

La exposición De Degas a Picasso: pintores, escultores y la cámara fue organizada por el Dallas Museum of Art.

Se presentó por primera vez al público en el San Francisco Museum of Modern Art, desde donde viajó al Dallas Museum of Art antes de ser inaugurada en el Museo Guggenheim Bilbao.

La fotografía y la estética simbolista

La muestra De Degas a Picasso: pintores, escultores y la cámara es la primera gran exposición que explora, por un lado, cómo influyó la fotografía en un variado colectivo de artistas europeos de finales del siglo XIX y principios del XX y, por otro, qué función desempeñó esta técnica en la filosofía y estética de su época.

A finales del siglo XIX y principios del XX, miembros del movimiento simbolista desafiaron la tradición de la representación del mundo “real” objetivo, adoptando una postura más introspectiva y dirigiendo la mirada hacia el paisaje psicológico.

La evolución de la fotografía en este período simbolista tuvo una repercusión fascinante y a menudo desconocida en los artistas, incluso en algunos como Edgar Degas, quien no estaba especialmente comprometido con el movimiento simbolista.

Según señala Dorothy Kosinski “Aunque el papel que desempeñó la fotografía en sus procesos creativos varió considerablemente, muchos de estos artistas compartieron una visión de la estética que difirió de la de los movimientos artísticos precedentes y supuso un punto de inflexión radical en la percepción de la realidad de la época.

Entre los participantes del movimiento simbolista surgió un hilo conductor gracias a las filosofías de Henri Bergson y Sigmund Freud que acabó con la noción de una realidad universal perceptible en favor de una visión subjetiva y más personal”.

“Esta noción prendió en los artistas simbolistas, y en aquellos influenciados por sus ideas, hasta el punto de arrojar luz sobre el terreno psíquico interior y mental incapaz de ser revelado mediante la mera imitación de la naturaleza”, añade la Doctora Kosinski.

“La técnica de la fotografía proporcionó la metáfora perfecta para destapar detalles pasados por alto por el ojo humano, sacando a la luz precisamente lo que permanece oculto a la visión”.

Los artistas de la exposición Las obras de De Degas a Picasso: pintores, escultores y la cámara ilustran de qué forma tan personal y distinta reaccionaron y utilizaron la fotografía los artistas representados en esta exposición.

Los escultores Brancusi y Rosso emplearon sus propias fotografías como un medio para controlar la interpretación de sus piezas.

Rodin nunca fotografió él mismo su obra, sino que encargaba esa tarea a una serie de fotógrafos, sobre todo a Edward Steichen, cuyas instantáneas proporcionaron significados nuevos con mucho contenido a las esculturas de Rodin.

Degas gustaba de experimentar con un equipo complicado y ya para entonces anticuado para explorar con esta técnica los motivos y temas estéticos que le interesaban.

Los retratos de sus modelos, a menudo en una oscuridad casi total, ponen de manifiesto una búsqueda de ese algo de sus personalidades imposible de ver a la luz del día.

Los cuadros tahitianos de Gauguin a menudo estuvieron inspirados en postales y otras imágenes fotográficas de lugares exóticos —como las tallas en relieve del templo de Borobudur, en Java, o los frisos del Partenón de Atenas— que más tarde le acompañarían en sus viajes a los Mares del Sur.

Las innumerables instantáneas Kodak de Bonnard y Vuillard componen un cuerpo de imágenes que captan la textura y matices de su entorno cotidiano, además de revelar una coherencia temática y formal con sus respectivas obras pictóricas.

Edvard Munch utilizó la fotografía para captar una imagen intensa del mundo psíquico interior, ilustrado sorprendentemente en una serie de evocadores y perturbadores autorretratos fotográficos.